Miriam Schapiro

 Η Miriam Schapiro (γνωστή και ως Mimi) (15 Νοεμβρίου 1923 – 20 Ιουνίου 2015) ήταν καναδικής καταγωγής καλλιτέχνης με έδρα τις Ηνωμένες Πολιτείες . Ήταν ζωγράφος, γλύπτρια, χαράκτης και πρωτοπόρος της φεμινιστικής τέχνης . Θεωρήθηκε επίσης ηγέτης του κινήματος τέχνης Pattern and Decoration . Το έργο τέχνης της ενώνει τις καλές τέχνες με τη χειροτεχνία.  Ενσωμάτωσε στοιχεία χειροτεχνίας στους πίνακές της λόγω της σχέσης τους με τις γυναίκες και τη θηλυκότητα. Το έργο της αγγίζει το ζήτημα του φεμινισμού και της τέχνης: ειδικά στην πτυχή του φεμινισμού σε σχέση με την αφηρημένη τέχνη. Η Schapiro αλίευσε στην εξημερωμένη χειροτεχνία της και μπόρεσε να δημιουργήσει έργα που ήταν ανάμεσα στην υπόλοιπη υψηλή τέχνη. Αυτά τα έργα αντιπροσωπεύουν την ταυτότητα της Schapiro ως καλλιτέχνη που εργάζεται στο κέντρο της σύγχρονης αφαίρεσης και ταυτόχρονα ως φεμινίστριας που καλείται να αναπαραστήσει τη γυναικεία «συνείδηση» μέσω της εικόνας.  Συχνά χρησιμοποιούσε εικονίδια που σχετίζονται με γυναίκες, όπως καρδιές, φυτικές διακοσμήσεις, γεωμετρικά μοτίβα και το ροζ χρώμα. Στη δεκαετία του 1970 έκανε τη βεντάλια χεριών, ένα τυπικά μικρό γυναικείο αντικείμενο, ηρωικό ζωγραφίζοντας το έξι πόδια επί δώδεκα πόδια.  "Ο καμβάς σε σχήμα βεντάλιας, ένα ισχυρό εικονίδιο, έδωσε στη Schapiro την ευκαιρία να πειραματιστεί… Από αυτό αναδύθηκε μια επιφάνεια με ανάγλυφη χρωματική πολυπλοκότητα και χλιδή που αποτέλεσε τη βάση του νέου προσωπικού στυλ της. Το κιμονό , οι θαυμαστές, τα σπίτια, και οι καρδιές ήταν η μορφή στην οποία έριξε επανειλημμένα τα συναισθήματα και τις επιθυμίες της, τις αγωνίες και τις ελπίδες της».

Γεννήθηκε στο Τορόντο του Οντάριο του Καναδά. ^] Ήταν το μοναδικό παιδί Ρώσων Εβραίων γονέων. Ο Ρώσος μετανάστης παππούς της εφηύρε το πρώτο κινητό μάτι κούκλας στις Ηνωμένες Πολιτείες και κατασκεύασε τα "Teddy Bears". Η Schapiro αργότερα συμπεριέλαβε κούκλες στη δουλειά της, ως αποκόμματα χαρτιού και ως αναπαραγωγές φωτογραφιών εικόνων από περιοδικά, και στη δήλωσή της που συνόδευε μια έκθεση της δουλειάς της στην γκαλερί Flomenhaft, παρατήρησε ότι «Στη χώρα μας δεν αισθανόμαστε για τις κούκλες όπως κάνουν οι Ευρωπαίοι, οι Αφρικανοί ή οι Ασιάτες», παρέχοντας ένα ανέκδοτο ότι οι μοναχές σε έναν ιαπωνικό ναό εξήγησαν τον λόγο για να βρίσκονται εκεί ήταν για να νοιάζονται για τις ψυχές των κούκλων.  Ο πατέρας της, Theodore Schapiro, ήταν καλλιτέχνης και διανοούμενος που σπούδαζε στο Beaux-Arts Institute of Design , στη Νέα Υόρκη, όταν γεννήθηκε ηSchapiro. Ήταν ένας καλλιτέχνης βιομηχανικού σχεδιασμού που ενθάρρυνε την επιθυμία της να γίνει καλλιτέχνης και υπηρέτησε ως πρότυπο και μέντοράς της. Η μητέρα της, Fannie Cohen, νοικοκυρά και σιωνίστρια, την ενθάρρυνε  να ακολουθήσει μια καριέρα στις τέχνες. Σε ηλικία έξι ετών,άρχισε να σχεδιάζει. 

Ως έφηβη, η Schapiro διδάχθηκε από τον Victor d'Amico, τον πρώτο της μοντερνιστή δάσκαλο στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης.  Τα βράδια συμμετείχε σε μαθήματα WPA για ενήλικες για να μελετήσει σχέδιο από το γυμνό μοντέλο. Το 1943, ο Schapiro μπήκε στο Hunter College στη Νέα Υόρκη, αλλά τελικά μεταγράφηκε στο Πανεπιστήμιο της Αϊόβα. Στο Πανεπιστήμιο της Αϊόβα, ο Schapiro σπούδασε ζωγραφική με τους Stuart Edie και James Lechay. Σπούδασε χαρακτική υπό τον Mauricio Lasansky και ήταν η προσωπική του βοηθός, κάτι που την οδήγησε στη συνέχεια να βοηθήσει στη δημιουργία του Iowa Print Group. Ο Lasanky δίδαξε τους μαθητές του να χρησιμοποιούν πολλές διαφορετικές τεχνικές εκτύπωσης στην εργασία τους και να μελετούν το έργο των δασκάλων προκειμένου να βρουν λύσεις σε τεχνικά προβλήματα.

Στο Κρατικό Πανεπιστήμιο της Αϊόβα γνώρισε τον καλλιτέχνη Paul Brach , τον οποίο παντρεύτηκε το 1946. Αφού αποφοίτησαν ο Brach και η Schapiro το 1949, ο Brach έλαβε δουλειά στο Πανεπιστήμιο του Missouri ως δάσκαλος ζωγραφικής. Ο Schapiro δεν έλαβε θέση και ήταν πολύ δυσαρεστημένος κατά τη διάρκεια του χρόνου τους εκεί. Μέχρι το 1951 μετακόμισαν στη Νέα Υόρκη και έγιναν φίλοι με πολλούς από τους αφηρημένους εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες της Σχολής της Νέας Υόρκης , συμπεριλαμβανομένων των Joan Mitchell , Larry Rivers , Knox Martin και Michael Goldberg . Ο Schapiro και ο Brach έζησαν στη Νέα Υόρκη κατά τις δεκαετίες του 1950 και του 1960. Η Miriam και ο Paul απέκτησαν έναν γιο, τον Peter Brach, το 1955. Πριν και μετά τη γέννηση του γιου της Peter, η Schapiro αγωνίστηκε με την ταυτότητα και τη θέση της ως καλλιτέχνη. Τα διαδοχικά στούντιο της Miriam's Schapiro, μετά από αυτή την περίοδο κρίσης, έγιναν περιβάλλον και αντανακλάσεις των αλλαγών στη ζωή και την τέχνη της.

Πέθανε στις 20 Ιουνίου 2015, στο Hampton Bays της Νέας Υόρκης , σε ηλικία 91 ετών ^{[11] [12]}

Καριέρα

Η καλλιτεχνική καριέρα της Miriam Schapiro διήρκεσε τέσσερις δεκαετίες. Ασχολήθηκε με τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό , τον μινιμαλισμό , την τέχνη των υπολογιστών και τη φεμινιστική τέχνη . Εργάστηκε με το κολάζ, τη χαρακτική, τη ζωγραφική, το femmage  [ fr ] – χρησιμοποιώντας γυναικεία χειροτεχνία στα έργα τέχνης της και τη γλυπτική. Η Schapiro όχι μόνο τίμησε την παράδοση της χειροτεχνίας στη γυναικεία τέχνη, αλλά απέτισε φόρο τιμής και σε γυναίκες καλλιτέχνες του παρελθόντος. Στις αρχές της δεκαετίας του 1970 έκανε πίνακες και κολάζ που περιελάμβαναν αναπαραγωγές φωτογραφιών παλαιότερων καλλιτεχνών όπως η Mary Cassatt . Στα μέσα της δεκαετίας του 1980 ζωγράφισε πορτρέτα της Φρίντα Κάλο πάνω από τους παλιούς της πίνακες αυτοπροσωπογραφίας. Στη δεκαετία του 1990 η Schapiro άρχισε να περιλαμβάνει γυναίκες της ρωσικής πρωτοπορίας στη δουλειά της. Η Ρωσική Πρωτοπορία ήταν μια σημαντική στιγμή στην ιστορία της Σύγχρονης Τέχνης για τον Schapiro, επειδή οι γυναίκες θεωρούνταν ίσες. 

Νέα Υόρκη και αφηρημένος εξπρεσιονισμός

Ο Paul Brach και η Miriam Schapiro επέστρεψαν στη Νέα Υόρκη μετά το μεταπτυχιακό στις αρχές της δεκαετίας του 1950.  Αν και η Μπραχ σύχναζε στο The Club όπου συναντήθηκαν αφηρημένοι εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες για να συζητήσουν, να μιλήσουν, να πιουν και να χορέψουν, δεν ήταν ποτέ μέλος. Σε ένα από τα περιοδικά της, έγραψε ότι οι γυναίκες δεν θεωρούνταν σοβαρές καλλιτέχνες από τα μέλη του The Club.  Η Schapiro εργάστηκε με το στυλ του αφηρημένου εξπρεσιονισμού κατά τη διάρκεια αυτής της χρονικής περιόδου.

Μεταξύ 1953 και 1957,  δημιούργησε ένα σημαντικό έργο. Δημιούργησε τη δική της γλώσσα χειρονομίας: «ζωγραφίζοντας λεπτά και σκουπίζοντας», στην οποία η σκουπισμένη περιοχή έπαιξε σημαντικό ρόλο ως η ζωγραφισμένη περιοχή. Αν και αυτά τα έργα ήταν αφηρημένα, όπως το έργο της Beast Land and Plenty , η Schapiro τα βασίστηκε σε ασπρόμαυρες εικονογραφήσεις έργων των «παλιών δασκάλων». Τον Δεκέμβριο του 1957, ο André Emmerich επέλεξε έναν από τους πίνακές της για τα εγκαίνια της γκαλερί του.

Ξεκινώντας το 1960, η Schapiro άρχισε να εξαλείφει τις αφηρημένες εξπρεσιονιστικές πινελιές από τους πίνακές της και να εισάγει μια ποικιλία γεωμετρικών μορφών. Η Schapiro άρχισε να ψάχνει για μητρικά σύμβολα για να ενοποιήσει τους δικούς της ρόλους ως γυναίκα. Η σειρά της, Shrines δημιουργήθηκε το 1961–63 με αυτό κατά νου. Είναι μια από τις πρώτες ομάδες έργων της που ήταν επίσης αυτοβιογραφία. Κάθε τμήμα του έργου δείχνει μια πτυχή του να είσαι γυναίκα καλλιτέχνης. Συμβολίζουν επίσης το σώμα και την ψυχή της. Το παιχνίδι μεταξύ της ψευδαίσθησης του βάθους και της αποδοχής της επιφάνειας έγινε η κύρια επίσημη στρατηγική της δουλειάς της Miriam για την υπόλοιπη δεκαετία. Τα Shrines επέτρεψαν στη Schapiro να ανακαλύψει τις πολλαπλές και κατακερματισμένες πτυχές του εαυτού της.

Το 1964 η Schapiro και ο σύζυγός της Paul εργάστηκαν και οι δύο στο Tamarind Lithography Workshop. Ένα από τα μεγαλύτερα σημεία καμπής της Schapiro στην καλλιτεχνική της καριέρα ήταν η δουλειά στο εργαστήριο και ο πειραματισμός με το χαρτί Color-Aid του Josef Albers , όπου άρχισε να φτιάχνει πολλά νέα ιερά και δημιούργησε τα πρώτα της κολάζ.

Καλιφόρνια

Τέχνη υπολογιστών

Το 1967, η Schapiro και ο Brach μετακόμισαν στην Καλιφόρνια για να διδάξουν και οι δύο στο τμήμα τέχνης στο Πανεπιστήμιο της Καλιφόρνια στο Σαν Ντιέγκο. Εκεί η Schapiro συνάντησε τον David Nalibof, έναν φυσικό που εργαζόταν για την General Dynamics. Ο Nalibof διατύπωσε προγράμματα υπολογιστή που μπορούσαν να σχεδιάσουν και να αλλάξουν τα σχέδια της Miriam Schapiro. Έτσι δημιουργήθηκε ένα από τα πιο εμβληματικά έργα της, το Big Ox #1 από το 1968. Οι διαγώνιες του οποίου αντιπροσώπευαν τα άκρα του «Βιτρούβιου άνδρα», ενώ το Ο απεικόνιζε το κέντρο των γυναικών, τον κόλπο, τη μήτρα. Αυτό το έργο περιγράφεται ως «ένα πρόσφατα εφευρεθέν, με βάση το σώμα, αρχετυπικό έμβλημα της γυναικείας δύναμης και ταυτότητας, υλοποιημένο σε λαμπρό κόκκινο-πορτοκαλί, ασημί και «τρυφερές αποχρώσεις του ροζ»».  Το Ο θεωρείται επίσης ότι συμβολίζει το αυγό, το οποίο υπάρχει ως το παράθυρο στη μητρική δομή με τεντωμένα άκρα. 

 Πρόγραμμα Φεμινιστικής Τέχνης

Το 1971, η Schapiro, με την καλλιτέχνιδα Judy Chicago , άρχισε να αναπτύσσει το Πρόγραμμα Φεμινιστικής Τέχνης στο νεοσύστατο Ινστιτούτο Τεχνών της Καλιφόρνια στη Βαλένθια. Το πρόγραμμα αποσκοπούσε στην αντιμετώπιση προβλημάτων στις τέχνες από θεσμική θέση και επικεντρώθηκε στην επέκταση του γυναικείου περιβάλλοντος στο κέντρο της πόλης LA In Womanhouse οι γυναίκες μπόρεσαν να μετατρέψουν τη δημιουργικότητα που επένδυσαν στην παροχή των οικογενειών τους σε υποστηρικτικά περιβάλλοντα προς τον εαυτό τους, επιτρέποντας στις φαντασιώσεις τους να αναλάβει όλα τα δωμάτια.  Ήθελαν η δημιουργία της τέχνης να είναι λιγότερο μια ιδιωτική, ενδοσκοπική περιπέτεια και περισσότερο μια κοινή δημόσια διαδικασία μέσω συνεδριών αύξησης της συνείδησης, προσωπικών εξομολογήσεων και τεχνικής κατάρτισης.  «Σπίτι» έγινε η αποθήκη της γυναικείας φαντασίας και των γυναικείων ονείρων». Η Schapiro συμμετείχε στην έκθεση Womanhouse το 1972. Το μικρότερο κομμάτι του Schapiro στο Womanhouse , που ονομάζεται " Dollhouse ", κατασκευάστηκε χρησιμοποιώντας διάφορα σκραπ για τη δημιουργία όλων των επίπλων και των αξεσουάρ του σπιτιού. Κάθε δωμάτιο σήμαινε έναν ιδιαίτερο ρόλο που παίζει μια γυναίκα στην κοινωνία και απεικόνιζε τις συγκρούσεις μεταξύ τους. 

Φεμινιστική Τέχνη

Το έργο της Schapiro από τη δεκαετία του 1970 και μετά αποτελείται κυρίως από κολάζ συναρμολογημένα από υφάσματα, τα οποία ονόμασε "femmages". Στις αρχές της δεκαετίας του εβδομήντα, διαδεχόμενος τη συνεργασία της Schapiro στο Womanhouse , έφτιαξε τα πρώτα της υφασμάτινα κολάζ στο στούντιο της στο Λος Άντζελες, που έμοιαζε πολύ με δωμάτιο σε σπίτι. Από τον ανδρικό τεχνολογικό κόσμο των υπολογιστών, η Schapiro μετακόμισε σε ένα γυναικείο διακοσμημένο σπίτι. Σε αυτό το στούντιο που μοιάζει με σπίτι,  μνημειοποίησε το υφασμάτινο ντουλάπι της και τη σημασία του για τις γυναίκες, σε μια σειρά από μεγάλα θηλυκά, συμπεριλαμβανομένου του A Cabinet for All Seasons . Αυτή ήταν η ποιητική της εκδοχή για την αναπαράσταση συνεχών αλλαγών και επαναλήψεων σε όλα τα σώματα και τις ζωές των γυναικών.  Στον ορισμό της για το femmage, η Schapiro έγραψε ότι το στυλ, που θυμίζει ταυτόχρονα το καπιτονέ και τον κυβισμό, έχει ένα «πλαίσιο ζωής γυναίκας» και ότι «γιορτάζει ένα ιδιωτικό ή δημόσιο γεγονός». Καθώς η Schapiro ταξίδευε στις Ηνωμένες Πολιτείες δίνοντας διαλέξεις, ζητούσε από τις γυναίκες που συναντούσε ένα αναμνηστικό. Αυτά τα αναμνηστικά θα χρησιμοποιούσαν στο κολάζ της σαν πίνακες ζωγραφικής. Η Schapiro έκανε επίσης συλλογικά έργα τέχνης, όπως η σειρά χαρακτικών της Anonymous was a Woman από το 1977. Ήταν σε θέση να κάνει την παραγωγή της σειράς με μια ομάδα εννέα γυναικών απόφοιτων στούντιο τέχνης από το Πανεπιστήμιο του Όρεγκον. Κάθε εκτύπωση είναι ένα αποτύπωμα από ένα μη μετασχηματισμένο πετσετάκι που τοποθετήθηκε σε μαλακό έδαφος σε μια πλάκα ψευδαργύρου, στη συνέχεια χαράχθηκε και τυπώθηκε. 

Το δοκίμιό της 1977-1978 Waste Not Want Not: An Inquiry into What Women Saved and Assembled – FEMMAGE (γραμμένο με τη Melissa Meyer ) περιγράφει το femmage ως δραστηριότητες κολάζ, συναρμολόγησης , ντεκουπάζ και φωτομοντάζ που ασκούνται από γυναίκες χρησιμοποιώντας «παραδοσιακές γυναικείες τεχνικές ραπτικής, τεχνικές. τρύπημα, αγκίστρωση, κοπή, εφαρμογή, μαγείρεμα και παρόμοια…» 

Μετά το 1975, η Schapiro επέστρεψε στη Νέα Υόρκη και με αυτά που έφτιαξε αφού πούλησε κάποιους πίνακες, είχε όχι μόνο ένα δωμάτιο αλλά ένα δικό της στούντιο. Η διακόσμηση και η «συνεργασία» είναι κεντρικά στο έργο τέχνης της και παίζουν σημαντικό ρόλο τόσο στο σπίτι της όσο και στο στούντιο της. Το στούντιο έγινε το δωμάτιο της Schapiro και σε στιγμές μεγάλης προσωπικής σύγκρουσης, η μόνη σύνδεση με τον δημιουργικό της εαυτό. Τα διάφορα στούντιο της σε όλη τη διάρκεια της καριέρας της αντικατοπτρίζουν τις αλλαγές τόσο στην εξωτερική όσο και στην εσωτερική πραγματικότητα της ζωής της. Έχουν εκφράσει τις μεταβαλλόμενες αντιλήψεις της για τον εαυτό της σύμφωνα με ή εναντίον της κοινωνίας, που κρατά τους ρόλους των φύλων χωριστούς. Τα στούντιο της Schapiro έχουν γίνει επίσης μεταφορές για τη δημιουργική της δουλειά, καθώς και χώροι στους οποίους θα μπορούσε να ζήσει τη ζωή της και να εκπληρώσει τα όνειρά της επίσης.

Η εικόνα της περιλαμβάνεται στην εμβληματική αφίσα του 1972 Some Living American Women Artists της Mary Beth Edelson . 

Συνεργασίες και Ταυτότητα

Στη διαδικασία ανάληψης διαφορετικών έργων, το στούντιο της Schapiro επεκτάθηκε και τελικά έγινε φορητό, ακολουθώντας την καθώς ταξίδευε από μέρος σε μέρος. Την ίδια περίοδο του έργου της στο Όρεγκον με τις εννέα γυναίκες, η Schapiro δημιούργησε επίσης την πρώτη της «Σειρά Συνεργασίας» με γυναίκες καλλιτέχνες του παρελθόντος. Αυτή η σειρά συνδύαζε αναπαραγωγές της δουλειάς της Mary Cassatt και της Berthe Morisot με πολύχρωμα και αισθησιακά περιγράμματα από ύφασμα σε μοτίβα εμπνευσμένα από παπλώματα. Στο Mary Cassatt and Me , η Schapiro επικάλυψε τη δική της νοητική εικόνα για τη μητέρα της με το μητρικό ιδανικό της Cassatt – η μητέρα της να διαβάζει μια εφημερίδα. 

Στη δεκαετία του 1990 η Schapiro άρχισε να εξερευνά περαιτέρω την εβραϊκή της ταυτότητα στη ζωγραφική της. Ο πίνακας της My History (1997) χρησιμοποίησε την ίδια δομή με το έργο House και έχτισε δωμάτια με διαφορετικές αναμνήσεις γύρω από την εβραϊκή της κληρονομιά. Η πιο ξεκάθαρη δήλωσή της με εβραϊκό θέμα στην τέχνη ήταν οι Τέσσερις Μητριάρχες , βιτρό που απεικονίζουν τις βιβλικές ηρωίδες Σάρα, Ρεβέκκα, Ραχήλ και Λία. Αυτό ήταν ένα πολύχρωμο κομμάτι που συνδύαζε τη συμβολολογία της ταυτότητας και την παλαιότερη εξημερωμένη τέχνη της για να δημιουργήσει το αληθινό όραμα του τι σήμαινε η υψηλή τέχνη για το κοινό. Η Mother Russia (1994), ήταν ένα κομμάτι θαυμαστών που έφτιαξε η Schapiro που αντλούσε από το ρωσικό υπόβαθρο της οικογένειάς της. Απεικονίζει τις ισχυρές γυναίκες από τη Ρωσία η καθεμία σε μια σειρά από βεντάλια με καπέλο και πέπλο. Πρόσθεσε κομμάτια από κάθε έργο καλλιτέχνη στο «συνεργατικό» στυλ της για να τα ενώσει ως επαναστατικές γυναίκες και να δώσει έπαινο σε κρυφές φιγούρες. Το ιστορικό της τόσο στη ρωσική όσο και στην εβραϊκή κουλτούρα έχει αποδοθεί σε μεγάλο βαθμό σε αυτό που αντιπροσωπεύει η συλλογή έργων της Schapiro. Η θεμελίωση και η συλλογική χρήση μοτίβων και χρωμάτων περιγράφουν τη δουλειά της Miriam και μας επιτρέπουν να δούμε την κουλτούρα και τη γυναικεία φωνή της.

Πήρε συνέντευξη για την ταινία του 2010 !Women Art Revolution .

Τα έργα της Schapiro φυλάσσονται σε πολλές συλλογές μουσείων, όπως το Smithsonian American Art Museum ,  Εβραϊκό Μουσείο (Νέα Υόρκη) ,  η Εθνική Πινακοθήκη ,  το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης , ^[26] το Μουσείο Τέχνης Pérez του Μαϊάμι,  στη Φλόριντα, και η Ακαδημία Καλών Τεχνών της Πενσυλβάνια .  Τα βραβεία της περιλαμβάνουν το Βραβείο Διακεκριμένου Καλλιτέχνη για Επίτευγμα Ζωής από το College Art Association  και μια υποτροφία Guggenheim του 1987 . 

Το 2023 η δουλειά της συμπεριλήφθηκε στην έκθεση Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-1970 στην γκαλερί Whitechapel στο Λονδίνο. 

Βραβεία και τιμές

• 1982: Μετάλλιο Skowhegan για το Κολάζ
• 1983: Επίτιμος Διδάκτορας Καλών Τεχνών, College of Wooster, Wooster, OH
• 1987: Υποτροφία Guggenheim για Καλές Τέχνες στις ΗΠΑ και τον Καναδά
• 1988: Honors Award, The Women's Caucus for Art
• 1989: Επίτιμος Διδάκτωρ Καλών Τεχνών, California College of Arts and Crafts, Oakland, CA
• 1992: Honours Award, National Association of Schools of Art and Design
• 1994: Honours Award, NARAL της Πολιτείας της Νέας Υόρκης
• 1994: Επίτιμος Διδάκτορας, Minneapolis and Design, Minneapolis, MN
• 1994: Επίτιμος Διδάκτορας, Πανεπιστήμιο Lawrence, Appleton, WI
• 2002: Βραβείο Lifetime Achievement, Women's Caucus for Art

Κατάλογος μεγάλων έργων

• (1963) Shrines Gray Art Gallery
• (1968) Big Ox No. 1 Μουσείο Μπρούκλιν
• (1972) Womanhouse
• (1972) Dollhouse , with Sherry Brody , Smithsonian American Art Museum 
• (1972) Lady Genji's Maze
• (1978) Σύνδεση ^[35]
• (1983) Feathered Fan , Μουσείο Τέχνης Pérez του Μαϊάμι
• (1983) Wonderland Smithsonian American Art Museum
• (1990) Ωδείο (Frida and Me)